COllezione Olgiati, A Collection in Progress

 

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Catalogo della mostra 2017

Popular Pages


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A Collection in Progress Collezione Giancarlo e Danna Olgiati SPAZIO -1 2017/18

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Carla Accardi 3/ Giovanni Anselmo 4/ Arman 5/ Tauba Auerbach 6/ Giacomo Balla 7/ Rosa Barba 8/ Massimo Bartolini 9/ Irma Blank 10/ Alighiero Boetti /11–12 Sophie Calle 13/ Pier Paolo Calzolari 14/ Christo 15/ Ettore Colla 16/ Gino De Dominicis 17/ Fortunato Depero 18/ Piero Dorazio 19/ Jimmie Durham 20/ Luciano Fabro 21/ Lucio Fontana 22/ Marco Gastini 23/ Anthony Gormley 24/ Mark Grotjahn 25/ Wade Guyton 26/ Guyton-Walker 27/ Anish Kapoor 28/ Anselm Kiefer 29/ Jannis Kounellis30/ Yves Klein 31/ Alberto Magnelli 32/ Piero Manzoni 33/ Conrad Marca-Relli 34/ Mario Merz 35/ Marisa Merz 36/ Giulio Paolini 37/ Giuseppe Penone 38/ Gianni Piacentino 39/ Michelangelo Pistoletto 40/ Enrico Prampolini 41/ Seth Price 42/ R.H. Quaytman 43/ Pietro Roccasalva 44/ Tim Rollins and K.O.S.45/ Pamela Rosenkranz 46/ Sterling Ruby 47/ Salvatore Scarpitta 48/ Mario Schifano 49/ Markus Schinwald 50/ Jan Schoonhoven 51/ Rudolf Stingel 52/ Wolfgang Tillmans 53/ Giulio Turcato 54/ Günther Uecker 55/ Paloma Varga Weisz 56/ Emilio Vedova 57/ Francesco Vezzoli 58/ Not Vital 59/ Danh Vo 60/ Kelley Walker 61/ Christopher Wool 62/ Gilberto Zorio 63

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ARTISTA / ARTIST: Carla Accardi Trapani, 1924 – Roma, 2014 3 OPERE / WORKS: > Due azzurri su oro 1966 vernice su sicofoil su tela dipinta / paint on sicofoil on painted canvas 110 x 185 cm Dopo aver conseguito nel 1943 la maturità artistica, Carla Accardi segue i corsi all’Accademia di Belle Arti di Palermo e di Firenze spinta dalla naturale inclinazione verso le arti visive. Trasferitasi a Roma inizia a frequentare il circolo dell’Art Club e lo studio di Consagra dove conosce Attardi, Dorazio, Guerrini, Maugeri, Perilli, Sanfilippo e Turcato: l’affine ricerca sul fronte dell’arte astratta e il comune impegno ideologico portano questi artisti, nel 1947, alla costituzione del gruppo Forma 1. La sua pratica si fonda su una poetica del segno, che a partire dal 1954 si articola per insiemi di segmenti pittorici bianchi stesi su fondi neri. Una ricerca, questa, che trova una ulteriore radicalizzazione dalla metà degli anni Sessanta, quando l’artista adotta come supporto superfici plastiche trasparenti, il sicofoil, introducendo così la relazione tra l’opera e lo spazio. Nel ‘64 è presente con una sala personale alla Biennale di Venezia, presentata da Carla Lonzi con la quale instaura un importante sodalizio che la porterà alla militanza femminista. A partire dagli anni Ottanta, Accardi ritorna alla pittura su tela, il colore si intensifica e ricopre superfici di tela grezza in composizioni di segni tracciati attraverso stesure corpose. Nel 2017 le viene dedicata una importante sala nella mostra di Francesco Vezzoli TV70: Francesco Vezzoli guarda la RAI presso la Fondazione Prada di Milano. Accardi matriculated in 1943 in art and then attended courses at the Fine Arts academies of Palermo and Florence driven by her natural inclination for visual expression. After moving to Rome she began frequenting the circle of the Art Club and Pietro Consagra’s studio where she met Attardi, Dorazio, Guerrini, Maugeri, Perilli, Sanfilippo and Turcato: a common interest in abstract art as well as a shared ideological commitment led these artists to found the Forma 1 group in 1947. Accardi’s work draws on a poetics of signs and in 1954 she began to express this by painting white pictorial segments on black backgrounds. Her work became even more radicalized in the mid 1960s when she began painting on clear plastic sheeting, known as Sicofoil, thereby introducing a relationship between the artwork and its space. At the 1964 Venice Biennial she had a room of her own and was introduced by Carla Lonzi with whom she began an important partnership that later led her to militant feminism. After the 1980s Accardi went back to canvas, her colours became more intense and she covered the surfaces of raw canvas with compositions of solid looking patterns. An important section of Francesco Vezzoli’s exhibition TV70: Francesco Vezzoli guarda la RAI is devoted to Accardi at Fondazione Prada in Milan.

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ARTISTA / ARTIST: Giovanni Anselmo Borgofranco d’Ivrea, Torino, 1934 4 OPERE / WORKS: > Senza titolo 1991 pietra, tela, cavo d’acciaio, nodo scorsoio / stone, canvas, steel cable, noose tela / canvas 230 x 150 cm pietre / stones 30 x 30 x 55 cm Dalle sue prime formulazioni fino alle più recenti, l’opera di Anselmo si mostra impermeabile all’attualità politica, al contesto sociale, alle ragioni della Storia, e in questo è diversa da quella di molti artisti dell’Arte Povera. Lo accomuna a essi, invece, il desiderio di immettere nella sfera dell’arte i fattori reali del tempo e dell’energia. I tempi a cui l’artista fa riferimento sono però enormemente dilatati, geologici, e le energie (la gravitazione, il magnetismo) tanto potenti quanto inavvertite sono decisamente fuori della portata dei sensi. Le sue opere, dunque, vivono soprattutto nella proiezione immaginativa dello spettatore, al quale offrono l’emozione estetica, “sublime”, di ciò che trascende radicalmente la dimensione umana. Ricorrente è, inoltre, la tematizzazione dei rapporti tra energie contrapposte che trovano un momento di sintesi e di equilibrio: funi tese, pietre, tele dipinte di bianco realizzano centri di energia attiva. Tra le molteplici occasioni espositive si segnalano le personali al Museum Kurhaus Kleve in Germania (2004), al Kunstmuseum Winterthur (2013), alla Marian Goodman Gallery di Parigi (2014) e al MAM di Saint-Étienne in Francia (2015), al Castello di Rivoli (2016) e alla Fondazione Querini Stampalia di Venezia (2017). From his earliest creations down to his most recent, Anselmo’s works have shown to be quite impervious to current politics, the social context, fashionable interpretations of history and in this they stand apart from many of the other artists in the Arte Povera movement. What they do share, however, is a desire to infuse the real factors of time and energy into the sphere of art. However the chronological time periods Anselmo refers to in his work are enormously expanded and their energies (gravitation, magnetism) are as powerful as they are invisible and decidedly beyond the grasp of the senses. Anselmo’s works come to life primarily through a process of imaginative projection, that takes place inside the viewer, to whom they offer up an aesthetic emotion, a sense of the “sublime” as something radically transcending human experience. One theme that recurs in his work is the equipoise of opposing energies suspended in a brief moment of synthesis and balance: cables under tension, stones, canvases painted white generate centres of active energy. Anselmo’s work has been widely shown and memorable events include his solo exhibitions at the Museum Kurhaus Kleve in Germany (2004), the Kunstmuseum Winterthur (2013), the Marian Goodman Gallery in Paris (2014) and the MAM of Saint-Etienne Métropole in France (2015), at Castello di Rivoli (2016) and at Fondazione Querini Stampalia in Venice (2017).

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ARTISTA / ARTIST: Arman Nizza, 1928 – New York, 2005 5 OPERE / WORKS: • Cachet (Tampons assemblages) 1959 inchiostri su carta intelata / ink on paper on canvas 135 x 178 cm • Cello 1962 violoncello sezionato su tavola / sectioned cello on board 160,5 x 134 x 22,5 cm Nato a Nizza nel 1928, è tra i primi esponenti di rilievo del Nouveau Réalisme. Dopo il periodo > Antonio e Cleopatra (Collera) 1966 contrabbasso sotto plexiglass e olio su pannello / contrabass under plexiglass and oil on panel dei “timbri” moltiplicati ossessivamente su carta (Cachets) passa alle tracce e alle impronte (Allures). Nella fase fondativa del Nouveau Réalisme è decisiva per lo sviluppo concettuale 200,5 x 160,5 cm del movimento la collaborazione con Yves Klein, • Les ailes jaunes - Accumulation Renault n. 105 1967 paraurti di automobili gialli saldati / bumper of yellow cars welded 164 x 120 x 115 cm da cui nacque la famosa mostra presso la galleria di Iris Clert a Parigi del 1960. Con Le Vide Klein presenta, in quell’occasione, la sua visione dello spazio e del cosmo, mentre con Le Plein Arman propone la sua inedita riflessione sull’oggetto. Tra il 1960 e il 1962, Arman foca- • Accumulation Renault “Bielles” 1968 bielle su plexiglass / rods on plexiglass 105 x 81,5 x 3 cm lizza la sua attenzione sul mondo moderno e industriale: parte dagli oggetti raccolti in strada, che comprime e colora, o dagli oggetti di culto, come gli strumenti musicali, che • Colère de violon 1970 violino in teca di plexiglass / violin under plexiglass 120 x 100 x 9 cm frantuma e seziona per giungere alla loro destrutturazione trasformandoli “in massa e colore”. Nouveau Réalisme per Arman significa assemblare oggetti che la nostra società reputa marginali e insignificanti, puntando l’attenzione su ciò che generalmente non notiamo, esaltando così il valore di ciò che utilizziamo quotidiana- mente. Le opere di Arman sono presenti nelle collezioni dei più importanti musei internazionali. Dopo la sua morte, nel 2006, è stata organizzata una grande retrospettiva al Centre Pompidou di Parigi (2010). Born in Nice in 1928, Arman was one of the first major figures in the Nouveau Réalisme movement. After the period of his “stamps” obsessively repeated on paper (Cachets) he moved on to traces and impressions (Allures). Of decisive importance during the foundational phase of Nouveau Réalisme was Arman’s collaboration with Yves Klein which led to the famous exhibition at the Iris Clert gallery in Paris in 1960. On that occasion he presented, along with Le Vide Klein, his vision of space and the cosmos, while Arman’s Le Plein provided his own original reflections on the object. Between 1960 and 1962, he began to focus his attention on the modern industrial world: starting with artefacts found in the street, which he pressed and coloured, or with cult objects like musical instruments, which he broke and dissected, ultimately destructuralizing them and reducing them to “mass and colour”. For Arman Nouveau Réalisme meant gathering up the kinds of objects our society tends to overlook as being marginal or insignificant; he draws our gaze to what we generally fail to notice and celebrates the value of the things we use in our everyday lives. Arman’s works are present in the collections of the world’s most important museums. After his death in 2006, a large retrospective exhibition of his works was held at the Pompidou Centre in Paris (2010).

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ARTISTA / ARTIST: Tauba Auerbach San Francisco, 1981 6 OPERE / WORKS: > Bitmap Gradient Glare 2014 tela intrecciata su telaio in legno / woven canvas on wooden stretcher 203.2 x 152.4 cm Giovane artista americana opera con la fotografia, la grafica e soprattutto la pittura mettendo in discussione i limiti delle nostre strutture logiche (linguistiche, matematiche e spaziali) attraverso una forma d’astrazione multi-dimensionale e poetica. Le sue rigorose composizioni indagano le consuete modalità di percezione visiva, evidenziando ambiguità e scarti di senso; il rapporto tra superficie piana e tridimensionalità viene messo in scacco attraverso un gioco di illusioni percettive. La sua ricerca integra perfettamente tradizione concettuale, grafica e astrazione traendo ispirazione dalla matematica e dalla fisica. Tauba Auerbach ha partecipato ad esposizioni al Whitney Museum (2010 e 2013), al PSI/MoMA (2010 e 2014) e al MoMA (2012) di New York, oltre che al Centre Pompidou di Parigi (2013). Tra le recenti personali si ricordano quelle presso il Wiels Contemporary Art Center di Brussels (2013), l’Institute of Contemporary Arts di Londra (2014), l’Astrup Fearnley Museum di Oslo (2015) e la galleria Indipendenza di Roma (2015). Recentemente è stato realizzato un intervento presso la Vienna State Opera (2016-17). This young American artist works with photography, graphics and above all painting, probing the limits of human logical structures (linguistic, mathematical and spatial) through a poetic, multidimensional form of abstraction. Her rigorous compositions explore conventional modes of visual perception, uncovering ambiguities and discarded meanings; the relationship between flat surfaces and three dimensionality is challenged through a game of perceptional illusions. Her work is a perfect integration of conceptual tradition, graphics and abstraction and is inspired by mathematics and physics. Tauba Auerbach has participated in exhibitions at the Whitney Museum (2010 and 2013), at the PSI/MoMA (2010 and 2014) and at the MoMA (2012) in New York as well as at the Pompidou Centre in Paris (2013). Her recent personals include an exhibition at the Wiels Contemporary Art Centre in Brussels (2013), the Institute of Contemporary Arts in London (2014), the Astrup Fearnley Musuem in Olso (2015) and the Galleria Indipendenza in Rome (2015). An intervention was recently conducted at the Vienna State Opera (2016-17).

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ARTISTA / ARTIST: Giacomo Balla Torino, 1871 – Roma, 1958 OPERE / WORKS: > Forze di paesaggio estivo 1917 olio su tela / oil on canvas 110 x 150 cm 7 Giacomo Balla segna gli sviluppi dell’intera vicenda futurista, dagli anni Dieci, ai Venti, fino ai primi anni Trenta. La sua adesione al movimento risale al 1910, anno in cui firma il Manifesto dei pittori futuristi e La pittura futurista. Manifesto tecnico insieme a Boccioni, Carrà, Russolo e Severini, con i quali esporrà solo a partire dal 1913. Dalle ricerche divisioniste di ispirazione sociale, nei primi anni Dieci sposta la sua indagine alla rappresentazione sintetica del movimento, con lo studio sulle “linee di velocità” fino all’estrema schematizzazione geometrica delle Compenetrazioni iridescenti del 1912-14. Presente all’Esposizione Libera Futurista Internazionale presso la Galleria Sprovieri di Roma (1914), con Depero redige nel 1915 il manifesto Ricostruzione futurista dell’universo, con cui si propongono di estendere l’estetica futurista a ogni aspetto della vita e di trovare gli “equivalenti astratti di tutte le forme e di tutti gli elementi dell’universo”. La sua ricerca investe parallelamente il campo della moda, dell’arredo, della grafica, del teatro. Balla è uno dei massimi protagonisti dell’arte italiana del Ventesimo secolo; sue opere sono presenti nei principali musei internazionali. Giacomo Balla’s work is present throughout the evolution of the Futurist movement, from the 1910s to the 1920s and the early 1930s. His embrace of the movement took place in 1910, the year when he undersigned the Manifesto of Futurist Painters and Futurist Painting: A Technical Manifesto, along with Boccioni, Carrà, Russolo, and Severini. It was not until 1913 that Carrà began exhibiting his work with them. While he first became involved in Divisionist painting of social inspiration, in the early 1910s he shifted his research to the synthetic representation of movement, analysing “lines of speed”, which eventually led to the geometric pattern of Iridescent Interpenetrations of 1912-14. After showing his work at the Free International Futurist Exhibition hosted by the Galleria Sprovier in Rome (1914), he and Depero wrote the manifesto The Futurist Reconstruction of the Universe in 1915. In it they put forward the idea of extending the futurist aesthetic to every aspect of life, and finding “abstract equivalents for all the forms and elements of the universe”. Balla’s research influenced other fields as well: fashion, interior décor, graphic art, theatre. Balla is a leading figure in twentieth-century Italian art and his works can be seen in all the major international museums.

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ARTISTA / ARTIST: Rosa Barba Agrigento, 1972 OPERE / WORKS: > Recorded Expansions of Infinite Things 2016 gesso / plaster 116 x 106 x 9 cm 8 Artista italiana trasferitasi in Germania, Rosa Barba ha eletto il video a suo personale medium espressivo: ogni suo lavoro esprime l’idea di tempo come valore collettivo, flessibile e plasmabile. L’artista, osservatrice imparziale, racconta storie parallele capaci di convergere in una moltitudine di realtà, tutte ugualmente autentiche. È la storia umana che si ripete conducendo, in tempi e luoghi diversi, ogni individuo su percorsi analoghi. In bilico tra documentario sperimentale e finzione narrativa, Barba si concentra sul dialogo tra gli opposti, creando opere multidisciplinari: l’architettura delle strutture video si oppone al lirismo dell’immagine, la freddezza del mezzo si contrappone alla naturalità dell’indagine estetica, il dinamismo del suono o della bobina alla solidità del contenuto. Non solo immagine, ma anche scultura dell’immagine, l’opera di Rosa Barba cerca il futuro nella tracce di un passato decadente, negli impianti industriali in rovina, negli archivi e nei depositi d’arte, rappresentazioni inusitate di un presente instabile, ma ugualmente ricco di possibilità. In Recorded Expansions of Infinite Things, del 2016, esposto in mostra, la lastra di gesso composta da lettere che ricordano quelle delle vecchie macchine da scrivere e da caratteri inesistenti nel nostro alfabeto, rappresenta una distesa immaginaria di simboli impressi in un periodo temporalmente non identificabile. Anche qui passato e presente convergono, trovando fondamento nel segno grafico come metafora dello sviluppo dell’umanità. Tra le personali più prestigiose si ricordano le mostre presso lo spazio Pirelli Hangar Bicocca di Mialno (2017), al Kunsthaus Zürich e al Jeu de Paume di Parigi, entrambe del 2012. Ha partecipato a diverse rassegne internazionali, tra cui tre edizioni della Biennale di Venezia. Il MoMA PS1 di New York le ha dedicato una serata speciale di proiezioni e performance nel 2016. An Italian artist who settled in Germany, Rosa Barba has chosen the video as her personal medium of expression: each of her works expresses the idea of time as a collective, flexible, and shapeable value. The artist, an impartial observer, tells parallel stories capable of converging into a multitude of realities, all of them equally authentic. It is the history of human beings that repeats itself, thus leading each individual along similar routes but in different times and places. Poised between experimental documentary and narrative fiction, Barba focuses on the dialogue between opposites, creating multidisciplinary works: the architecture of video structures contrasts with the lyricism of the images, the coldness of the means offsets the naturalness of the aesthetic exploration, the dynamism of the sound or the bobbin contrasts with the solidity of the contents. Not only the image, but also the sculpture of the image, Rosa Barba’s work seeks the future in the traces of the decadent past, in industrial plants in ruins, in archives and in places where art is stored, the unusual representations of an unstable present, but one that is equally rich in potential. In Recorded Expansions of Infinite Things, 2016, on view here, the plaster sheet consisting of letters reminiscent of old typewriters, and characters that do not exist in our alphabet, represent an imaginary expanse of symbols impressed over an unidentifiable period of time. Here, too, past and present converge, finding fundament in the graphic sign as metaphor for the development of humanity. The artist’s most prestigious solo shows include ones at the Pirelli Hangar Bicocca in Milan (2017), and the Kunsthaus Zürich and the Jeu de Paume in Paris, both in 2012. She has participated in different international events, including three editions of the Venice Biennale. In 2016, the MoMA PS1 in New York dedicated a special evening of screenings and performances to her art.

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ARTISTA / ARTIST: Massimo Bartolini Cecina, 1962 OPERE / WORKS: > Rugiada 2011 smalto su alluminio / enamel on alluminum 100 x 100 cm 9 La ricerca di Massimo Bartolini si articola secondo diverse modalità linguistiche che danno vita ad installazioni ad hoc, profondamente connesse allo spazio che le ospita. Tramite l’utilizzo di elementi diversificati, l’artista mina le consuete coordinate spazio-temporali per attivare dimensioni nuove e inaspettate. Lo spettatore, con i suoi sensi e le sue percezioni, ha un ruolo determinante, sperimenta nuovi punti di vista e acquisisce una diversa sensibilità davanti agli oggetti e ai luoghi reinterpretati attraverso inedite e sorprendenti configurazioni formali e percettive. La serie di opere intitolata Rugiada offre allo spettatore un sofisticato gioco di vedo-non vedo: mentre da lontano il pannello appare monocromo, avvicinandosi i colori iridescenti cambiano a seconda della luce e della posizione di chi lo osserva. L’effetto è ottenuto grazie a vernici micalizzate utilizzate di solito per la carrozzeria delle automobili unitamente a gocce d’acqua opportunamente spruzzate sulla superficie dell’opera. Bartolini ha esposto, tra l’altro, al Padiglione Italia della Biennale di Venezia (2013). Tra le sue esposizioni personali più recenti ricordiamo quelle tenutesi presso il Museo Marino Marini di Firenze (2015), il Lismore Castle Arts in Irlanda (2017) e la Fondazione Merz di Torino (2017). Massimo Bartolini’s “explorations” draw on a variety of formal languages resulting in ad hoc installations that are integrally bound up with the space they occupy. By using a variety of different methods Bartolini manages to undermine conventional notions of space-time and open up new and unexpected horizons. Viewers, through their own senses and perceptions play a crucial role in this process, experience new perspectives as they acquire a different awareness of the objects and spaces that Bartolini reinterprets in his startlingly formal and perceptual configurations. The series of works entitled Rugiada offers up a sophisticated game of seeing-not seeing: from the distance the panel appears to be monochromatic, but upon closer inspection the iridescent colours are apt to change according to the light and the observer’s position. The effect is achieved by using the glimmering paints applied to automobile bodies together with droplets of water sprayed on the work’s surface. Bartolini has exhibited in venues such as the Italian Pavilion at the Venice Biennial (2013). Among others, he has recently had solo shows at the Museo Marino Marini in Florence (2015), Lismore Castle Arts in Ireland (2017), and Fondazione Merz in Turin (2017).

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ARTISTA / ARTIST: Irma Blank Celle, 1934 10 OPERE / WORKS: > Radical Writings, Drawing of breath 6-8-87 1987 acrilico su tela / acrylic on canvas dittico /dyptich 75 x 55 cm ciascuno / each • Radical Writings, Exercitium 25-5-88 1988 olio su tela / oil on canvas dittico / dyptich 56,5 x 48 cm ciascuno / each L’arte di Irma Blank è arte della scrittura, dove l’uso della Ur-form, la forma primaria, dona sostanziale autonomia alla scrittura medesima. Il tema centrale della ricerca dell’artista • Ur-schrift ovvero Avant-testo, 12-1-99 tedesca è il segno nelle sue differenti accezioni: da grezzo gesto scritturale a testo letterario 1999 biro su tela su telaio in legno / pen on canvas on wood frame 173 x 63 cm compiuto, in una tensione ascendente che conduce dal passato al presente, in una continuità atemporale. La parola scritta è considerata strumento di comunicazione tramite cui si costruisce il rapporto fra l’io e gli altri, in un annullamento delle distanze grazie al valore comunitario del linguaggio. Con il ciclo degli Eigenschriften, della fine degli anni Sessanta, inizia la maturità artistica di Irma Blank: l’autrice registra su carta tracciati variabili e imperfetti, privi di ogni senso linguistico. È la genesi del segno che si fa significante privo di significato. Seguono le Trascrizioni, dove la pratica libera lascia il posto ad una lenta copiatura di pagine di libri e giornali. Dai primi anni Ottanta si dedica ai Radical Writings: il gesto scritturale diviene policromo e viene steso col pennello “tutto d’un fiato”, nel lasso di tempo di un singolo respiro. A questi lavori di “soppressione”, seguono gli Avant-testo, nei quali il segno torna caotico. Con un fascio di biro, l’artista traccia spirali che si chiudono in se stesse: il tratto diviene autorappresentazione libera e, parallelamente, torna alla sua forma primordiale. Irma Blank ha esposto in mostre collettive al Centre Pompidou di Parigi (1985), alla Fondazione Querini Stampalia di Venezia (1996) e alla GAM di Torino (2017) e in personali al Centre Pompidou di Parigi (2011) e al Museion di Bolzano (2017). Ha partecipato, inoltre, alla Biennale di Venezia del 2017. The art of Irma Blank is the art of writing, where the use of the Ur-form, the primary form, bestows substantial autonomy on the writing itself. The German artist’s main theme is the sign in its various expressions: from the rough scriptural gesture to the finished literary text, in an ascendent tension that leads from the past to the present, in timeless continuity. The written work is envisioned as an instrument of communication through which to build the relationship between the Self and others; any distances are eliminated thanks to the communitarian value of the language. The Eigenschriften cycle, from the late 1960s, marked the start of Irma Blank’s artistic maturity: the author recorded on paper variable and imperfect traces, deprived of any linguistic meaning. It was the genesis of the sign that becomes a signifier devoid of significance. This was followed by Trascrizioni, where free practice made way for the slow copying of pages of books and newspapers. From the early 1980s, the artist devoted herself to Radical Writings: the scriptural gesture becomes polychrome and is spread by the paintbrush “all in one go”, the time required to take a single breath. These works of “suppression” were followed by the Avant-testo, in which the sign is again chaotic. The artist used a group of ball-point pens to trace spirals that ended within themselves: the line becomes free self-representation and, in parallel, it goes back to its primordial form. Irma Blank has shown in group shows at the Centre Pompidou in Paris (1985), Fondazione Querini Stampalia in Venice (1996), and GAM in Turin (2017), and in solo shows at the Centre Pompidou in Paris (2011), and Museion in Bolzano (2017). The artist also participated in the 2017 Venice Biennale.

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ARTISTA / ARTIST: Alighiero Boetti Torino, 1940 – Roma, 1994 11 OPERE / WORKS: • Stiff upper Lip 1966 vernice su legno e sughero / industrial paint and cork on wood 90 x 70 cm • Senza titolo (Parallelepipedo con luce) 1966 legno con pittura industriale e impianto elettrico / wood with industrial paint and electrical equipment 97 x 36 x 36 cm Vicino al gruppo dell’Arte Povera, almeno nella fase iniziale della sua ricerca, Boetti esordisce nel 1967 con una esposizione personale alla galleria Christian Stein di Torino, dove mostra • Perdita di identità (tra sé e sé) una serie di sculture-oggetto tautologiche. L’ironia, la mobilità mercuriale, il desiderio di 1980 tecnica mista su carta applicata su tela / mixed media on paper on canvas 150 x 100 cm sottomettere l’estro individuale a una regola matematica, la griglia ortogonale, simbolo per eccellenza di questa regola, diverranno elementi di partenza per molti lavori successivi. Nel 1968 > Mappa - Mettere al mondo il mondo 1984 ricamo / embroidery 114 x 175 cm realizza Gemelli, un fotomontaggio in cui l’artista si sdoppia in due figure che si tengono per mano; a partire dal 1972-73, dando forma compiuta a questo sdoppiamento, l’artista • Tutto 1986 ricamo su cotone / embroidery on cotton 92 x 128 cm incomincia a firmare i suoi lavori “Alighiero e Boetti”. Moltiplicando la propria figura, egli implicitamente rivendica la libertà da problemi di coerenza artistica; al contempo, rivelando la pluralità già insita nel proprio essere, si apre alla collaborazione con altri, che realizzerà in maniera sistematica a partire dal 1971 commissionando arazzi a gruppi di ricamatrici. In mostra Mappa. Mettere al mondo il mondo, del 1984, un esempio particolarmente significativo. Nel 1974 Boetti scrive: “Il lavoro della Mappa ricamata è per me il massimo della bellezza. Per quel lavoro io non ho fatto niente, non ho scelto niente, nel senso che: il mondo è fatto com’è e non l’ho disegnato io, le bandiere sono quelle che sono e non le ho disegnate io, insomma non ho fatto niente assoluta- mente; quando emerge l’idea base, il concetto, tutto il resto non è da scegliere”. Una attitudine simile si manifesta anche nelle opere appartenenti al ciclo Tutto, dal quale in mostra un esemplare del 1986, consistente in un ricamo dominato da un perfetto equilibrio multicolore tra frammento e insieme. Un punto di partenza per questa ricerca formale e strutturale risiede nell’opera su carta Perdita di identità. Tra sé e sé del 1980, qui esposta, in cui l’autore e il suo doppio vengono rappresentati come artefici dell’infinità varietà del tutto. Tra le recenti occasioni espositive dedicate all’artista ricordiamo la mostra itinerante Alighiero Boetti. Game Plan ospitata presso il Museo Reina Sofía di Madrid (2011), la Tate Modern di Londra (2012) e il MoMA di New York (2012), la personale al MAXXI di Roma (2013) e quella alla galleria Christian Stein di Milano (2014). Nel 2017 il MASI di Lugano presenta la mostra Boetti-Salvo. Vivere lavorando giocando una doppia personale dedicata al rapporto tra i due amici artisti. Close to the Arte Povera group, at least during the early phase of his work, Boetti debuted in 1967 with a solo show at the Christian Stein Gallery in Turin, where he displayed a series of tautological sculpture-objects. Irony, mercurial mobility, the desire to subject individual creativity to mathematical rules, the orthogonal grid, which is the supreme symbol of this rule, would become the founding elements of many of his future works. In 1968 he made Gemelli (Twins) a photomontage

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ARTISTA / ARTIST: ALIGHIERO BOETTI 12 in which the artist walks hand in hand with an imaginary twin; as a result, in 1972-73 the artist began signing his works “Alighiero e Boetti” (Alighiero and Boetti). By multiplying the image of himself, he implicitly claimed freedom from the issue of artistic coherence; at the same time, by revealing the plurality already inherent in his own being, he could include the collaboration of others, which he carried into practice systematically from 1971 onwards by commissioning tapestries from groups of embroiderers. Mappa. Mettere al mondo il mondo (Map. Bringing the World into the World), 1984, on view here, is a particularly significant example of the artist’s work. In 1974 Boetti wrote: “To my mind, the Embroidered Map is the height of beauty. To make that work I did nothing, I chose nothing, in the sense that: the world is made the way it is and I did not design it, the flags are what they are, I did not design them, in short, I did absolutely nothing; when the basic idea surfaces, the concept and everything else can’t be chosen”. The same mindset is visible in the works belonging to the cycle Tutto (Everything), of which a piece made in 1986 is on display here, consisting of embroidery dominated by the perfect multicoloured equilibrium between the fragment and the whole. A starting point for the artist’s formal and structural research lies in the work on paper entitled Perdita di identità. Tra sé e sé (Loss of Identity. Between Oneself), 1980, on view here, in which the author and his double are represented as the artificers of an infinite variety of everything. The most recent exhibitions dedicated to Boetti’s work include the travelling show Alighiero Boetti. Game Plan, hosted by the Reina Sofía Museum in Madrid (2011), the Tate Modern in London (2012), the MoMA in New York (2012), the solo show at the MAXXI in Rome (2013), and the exhibition at the Christian Stein Gallery in Milan (2014). In 2017, the MASI in Lugano hosted the exhibition BoettiSalvo. Vivere lavorando giocando, a double solo show devoted to the relationship between the two friends and artists.

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ARTISTA / ARTIST: Sophie Calle Parigi, 1953 13 OPERE / WORKS: > Gênes 2013 3 stampe in carbonio / 3 carbon prints 33 x 46.7 cm ciascuna / each 33 x 143.5 cm misure complessive / total dimensions Sophie Calle esordisce alla fine degli anni Settanta come fotografa. Nella sua prima opera, Les Dormeurs (1979), invita conoscenti e estranei a dormire nel suo letto. Documenta questi incontri attraverso un’originale combinazione di fotografia e testo, elemento ricorrente nella sua ricerca. Sophie Calle indaga criticamente il rapporto tra pubblico e privato, verità e finzione, attraverso l’utilizzo di vari mezzi espressivi quali fotografia, video, libri, film, performance. Le sue opere sono pervase da un senso di labilità e di incertezza in cui lo spettatore è chiamato a trovare una dimensione propria. Il trittico Gênes (2013) qui esposto, già presentato nella mostra MAdRE al Castello di Rivoli (2014), fa parte di un progetto che l’artista ha dedicato alla vicenda della perdita materna, al cui proposito ha affermato: “Mia madre amava essere oggetto di discussione. La sua vita non compariva nel mio lavoro e questo la contrariava. Quando collocai la mia macchina fotografica ai piedi del suo letto di morte - volevo essere presente per udire le sue ultime parole ed ero intimorita che potesse morire in mia assenza – esclamò: ‘Finalmente’”. L’opera di Sophie Calle è presente nelle collezioni del Centre Pompidou di Parigi, del Guggenheim di New York, della Tate Modern di Londra e del Los Angeles County Museum. Ha partecipato alla Biennale di Shanghai del 2012 ed è stata invitata come rappresentante ufficiale della Francia alla Biennale di Venezia del 2007. Tra le numerose esposizioni personali degli ultimi anni, ricordiamo quelle presso la Fondation pour l’art contemporain DHC/ART di Montréal (2008), The Pulitzer Arts Foundation di Saint Louis (2012), lo Hara Museum of Contemporary Art di Tokyo (2013), il Castello di Rivoli (2014), il Musée d’art contemporain di Montréal (2015), il Nagasaki Prefectural Art Museum di Nagasaki (2016) e il Fort Mason Center for Arts & Culture di San Francisco (2017). Sophie Calle started out at the end of the 1970s as a photographer. In her first work, Les Dormeurs (1979), she invited acquaintances and strangers to sleep in her bed. She documented these encounters in an original combination of photography and text, a recurring feature of her exploration. Sophie Calle looks critically at the relationship between the public and the private spheres, between truth and fiction through the use of a variety of expressive vehicles such as photography, video, books, film and performance. Her works are suffused with a sense of transience and uncertainty in which the viewer is called on to find a personal meaning. The triptych Gênes (2013) on display here, was already shown at the MAdRE exhibition in Castello di Rivoli (2014), and is part of a project Calle devoted to the loss of her mother, about which she has said: “My mother liked being talked about. Her life never appeared in my work and this bothered her. When I placed my camera at the foot of her deathbed – I wanted to be present to hear her final words and I was afraid she might die in my absence – she exclaimed: ‘At last’”. Sophie Calle’s work is present in the collections of the Pompidou Centre in Paris, the Guggenheim in New York, the Tate Modern in London, and the Los Angeles County Museum. She took part in the Shanghai Biennial in 2012 and was invited as France’s official representative to the Venice Biennial in 2007. The artist’s numerous solo shows in recent years include ones at the Fondation pour l’art contemporain DHC/ ART in Montreal (2008), Pulitzer Arts Foundation of Saint Louis (2012), Hara Museum of Contemporary Art in Tokyo (2013), Castello di Rivoli (2014), Musée d’art contemporain de Montréal (2015), Nagasaki Prefectural Art Museum (2016), and Fort Mason Center for Arts & Culture in San Francisco (2017).

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ARTISTA / ARTIST: Pier Paolo Calzolari Bologna, 1943 OPERE / WORKS: > Dense 1968 neon, sale, cuoio, ferro / neon, salt, leather, iron 112 x 36 x 31 cm 14 Dopo un esordio nell’ambito New Dada, si colloca tra i protagonisti del movimento dell’Arte Povera. Nelle sue opere utilizza materiali naturali come foglie di tabacco, cera, sale, piombo, grassi, muschio, messi in relazione energetica con candele, lampadine elettriche, filamenti di neon, fuoco e fumi di gas, registrazioni di suoni e di rumori. Privilegia l’uso del ghiaccio brinato e del sale in quanto evocazione del colore bianco, colore-non-colore per eccellenza. Compaiono negli anni Settanta le installazioni in cui divengono protagoniste le formazioni di ghiacci, brine e vapori freddi, che a contatto con superfici metalliche evocano sensazioni di malinconia, solitudine e disfacimento dell’essere. Apparizioni sceniche al limite della performance, ma dietro le quali sono sottesi echi e rimandi alla letteratura, alla musica, al teatro e all’architettura. Negli anni Ottanta torna a lavori pittorici con astrazioni di matrice metafisica ed esistenziale. Ha preso parte ad esposizioni presso la Peggy Guggenheim Collection di Venezia (2011) e il MoMA di New York (2013). Tra le sue personali recenti troviamo quella a Ca’ Pesaro di Venezia (2011) e alla Boesky East Gallery di New York (2014). After a debut in the milieu of New Dada, Calzolari immediately became one of the protagonists of the Italian Arte Povera movement. He works with natural materials such as tobacco leaves, wax, salt, lead, fats, moss, which he energises by means of candles, electric lamps, neon filaments, fire and gas fumes, recordings of sounds and noises. Among Calzolari’s favourite materials are frosted ice and salt since they evoke the colour white, that most emblematic non-colour colour. In the 1970s his installations began to showcase formations of ice, frost and cold vapours that freeze when they come into in contact with refrigerated metallic surfaces, calling up feelings of melancholy, solitude and the dissolution of being. Displays like this border on performance art but they also contain echoes and references to literature, music, theatre and architecture. In the 1980s he returned to painting with abstractions of metaphysical and existential patterns. He has taken part in exhibitions at the Peggy Guggenheim Collection in Venice (2011) and the MoMA in New York (2013). His recent personals include the Ca’ Pesaro in Venice (2011) and the Boesky East Gallery in New York (2014).

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ARTISTA / ARTIST: Christo Gabrovo, Bulgaria, 1935 15 OPERE / WORKS: > Store Front Project 1964 tecnica mista (collage, matita, cartoncino e luce elettrica) / mixed technique (collage, pencil, cardboard and electric light) 90 x 125 x 10 cm Dopo gli studi di Belle Arti a Sofia (1953–56), si trasferisce a Parigi dove diventa uno degli esponenti di punta del Nouveau Réalisme. Le sue prime opere sono dei dipinti astratti e degli impacchettamenti nella tela o nella plastica, di oggetti o di modelli viventi, tecnica che successivamente traspone su scala ambientale. Sono proprio questi lavori, che nascondono alla vista del pubblico vaste porzioni di paesaggio o complessi monumentali come chiese, ponti, musei e mura, a consacrarlo alla notorietà internazionale. È datata 1961 la prima collaborazione con la moglie Jeanne-Claude, del 1962 la loro prima opera monumentale: Rideau de Fer, un muro di barili d’olio a bloccare rue Visconti, nei pressi della Senna, a Parigi, in segno di protesta al muro di Berlino. Una collaborazione che si esaurisce nel 2009 a seguito della morte di Jeanne-Claude. L’opera in mostra, del 1964, appartiene alla serie dei Store Front Projects realizzati nel 1964, anno in cui la coppia si trasferisce a New York. La scelta del soggetto – le vetrine dei negozi – di queste opere progettuali richiama la fascinazione degli artisti per la nuova città di adozione. Tra gli interventi più significativi di Christo va menzionato quello al Central Park di New York del 2005. Nel 2016 il suo ponte galleggiante sul Lago di Iseo ha riscosso un successo di critica e di pubblico del tutto eccezionale per un’opera di arte contemporanea. After studies at the Fine Arts Academy in Sofia (1953–56) Christo moved to Paris where he became one of the leading lights of the Nouveau Réalisme. His first works were abstract paintings and plastic or canvas wrappings of objects or living models, a technique he later applied on a larger scale to the outdoor environment. These works which hid from the view of the public vast portions of landscape or clusters of monuments such as churches, bridges, museums and walls won him international renown. 1961 was the year he started to collaborate with his wife Jeanne-Claude, while 1962 was their first monumental work Rideau de Fer, a wall of stacked oil barrels that blocked off the rue Visconti near the Seine in protest over the Berlin Wall. The couple’s collaboration came to an end in 2009 with the death of Jeanne-Claude. The work exhibited, 1964, is part of the Store Front Projects series made that same year, which was when the couple moved to New York. The choice of the subject – shop windows – in these art installations, is a reminder of the artists’ love of their new city by adoption. One of his most notable Christo’s interventions was in New York’s Central Park in 2005. In 2016 his floating piers on the Iseo Lake, in Northern Italy, received an unprecedented enthusiastic reception, both of critic and general public.

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