Beauty Womens

 

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Proyecto expositivo

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ÍNDICE 1ºINTRODUCCIÓN 2º OBRAS: EL NACIMIENTO DE VENUS EVA DANAE LAS TRES GRACIAS LA MAJA DESNUDA EL BAÑO DE VENUS MAGDALENA DE LA CUEVA TANNHÄUSER EN EL VENUSBERG LAS SEÑORITAS DE AVIGNON LA BELLA RAFAELA LOLA COLA 3ºOBRAS EXPUESTAS EN LA EXPOSICIÓN GABE 3

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Beauty Womens GENERALIDAD El trabajo aquí presente se ha redactado entre finales del año 2015 y principios del 2016 El área de la investigación se centra en la composición de la belleza del cuerpo humano al desnudo a lo largo de los siglos, gracias a la pintura que ha llegado hasta nuestros días. El autor de este proyecto es Javier García Cabero para el proyecto de Investigación y excelencia del instituto Delicias de Valladolid, cuyo tutor es Don Arturo Caballero Bastardo INTRODUCCION La razón por la que he realizado el proyecto basándose en el desnudo en pintura, es porque siempre he visualizado la belleza representada del cuerpo humano tanto masculino como femenino, como una forma de poder contemplar cómo ha sido el ideal de belleza desde casi el principio de los tiempos y como ha ido cambiando a lo largo de los siglos. El detonante del trabajo fue la información del trabajo ha podido ser adquirida previamente gracias a los libros: El Desnudo Femenino por Giovani Civardi en Marzo de 2004, el libro de: El Desnudo Masculino, publicado por el autor Giovani Civardi en Marzo del 2004.Ambos libros han servido para el estudio del desnudo como la figura en posición, erguida, arrodillada, sentada, reclinada, en escorzo, y ha servido para el análisis de los métodos de representación. Una de las conclusiones a las que el autor ha llegado, ha sido a que el ideal de belleza masculina, no se ha modificado casi nada, desde la época griega en la que Policleto, esculpió la obra: El Doríforo, en la estaba representada el canon de belleza supremo. Mientras que en las mujeres la belleza ha cambiado a lo largo del tiempo, en la prehistoria los hombres preferían a las mujeres con grandes senos y caderas muy anchas puesto que se asociaban a la fertilidad, abundancia y capacidad de parir y criar hijos sanos y fuertes. Durante el renacimiento el cuerpo de las mujeres debía ser redondo con manos y pies finos, pequeños pechos, firmes, tez blanca y mejillas sonrosadas, labios rojos, cabello rubio largo, frente despejada con ojos grandes y claros. En el barroco la mujer perfecta sería con cuerpos más rellenitos con caderas más anchas y cinturas estrechas, brazos redondeados y carnosos con la piel blanca y pechos más llamativos a lo que se añadía pelucas, perfumes corsés. Cuando llega la época Victoriana en el siglo XIX, el canon era muy parecido al del Barroco, pero con la cintura muy estrecha, por la que usaban corsés para hacer las caderas finas, aunque era perjudicial para la mujer porque provocaba mal deformaciones. Entre los años 50-60 la exuberancia femenina se apodera de las pantallas, representando a la mujer con curvas marcadas, voluptuosidad, piernas finas, huesos bien forrados y cabellos rubios, pero a su vez cuerpos delgados, con carita infantil. Durante los años 70-80 los cuerpos femeninos se van adelgazando y estilizando, dando mucha importancia a los pechos, durante esta época las redondeces en la mujer empiezan a ser despreciadas. En los años 90 sigue evolucionando la delgadez hasta llegar a un punto en la que en el nuevo milenio los diseñadores 4

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de moda, están llevando a las mujeres a una nueva moda de ser esqueléticas e insanas. Actrices como Angelina Jolie son un ejemplo de nuestro canon de belleza actual. Por lo tanto a lo que nos lleva toda esta información, es que el hombre no ha necesitado cambiar de canon de belleza, mientras que la mujer ha pasado por tantas etapas simplemente por complacer a los hombres, siendo esto un claro ejemplo del machismo que asola nuestro mundo desde el comienzo de la vida. El objetivo de este trabajo es poder enseñarle al mundo la diferencia de cánones en la mujer a lo largo de los años dado que al canon de belleza masculina se estancó desde el primer momento que se implantó. El trabajo ha podido ser realizado gracias a la información de los libros anteriormente citados y gracias a los documentos PDF prestados por la Biblioteca municipal de Boecillo situada en la ciudad de Valladolid. Y a los libros AGUILERA, Emiliano M. El desnudo en las artes. Madrid: Giner, 1972. APARICIO LÓPEZ, Octavio. El desnudo femenino en la pintura. Madrid: Offo, D.L. 1965. BATAILLE, Georges. Las lágrimas de Eros. Barcelona: Tusquets, 2002. CAPARRÓS MASEGOSA, Lola. Prerrafaelismo, Simbolismo y Decadentismo en la pintura española de fin de siglo. Granada: Universidad de Granada, 1999. CLARK, Kenneth. El desnudo: un estudio de la forma ideal. Madrid: Alianza, D.L. 1984. DOMINGO GÓMEZ, Javier. El desnudo seductor: cien años de erotismo gráfico en España. Madrid: Arnao, D.L. 1988. ECO, Umberto. Historia de la Belleza. Barcelona: Lumen, 2008. FLYNN, Tom. El cuerpo en la escultura. Madrid: Akal, D.L. 2002. LUCIE-SMITH, Edward. Ars Erótica. Madrid: Libros y libros, 1977. MAYAYO, Patricia. Historia de mujeres, historias del arte. Madrid: Ediciones Cátedra, 2003. NEAD, Lynda. El desnudo femenino: arte, obscenidad y sexualidad. Madrid: Tecnos, D.L. 1998. REYERO, Carlos. Desvestidas. El cuerpo y la forma real. Madrid: Alianza, 2009. REYERO, Carlos. El arte del siglo XIX. Biblioteca básica de arte. Madrid: Ed. Anaya, 1992. SHIELD, William. El desnudo en el arte. Barcelona: Plaza & Janés, D.L. 1968. VAUDOYES, Jean-Louis. El desnudo femenino en la pintura europea. Madrid: Aguilar, 1957. 5

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OBRAS EL NACIMIENTO DE VENUS Es una obra pictórica creada por el autor Sandro Botticelli en el año 1484 que actualmente se encuentra expuesta en la Galería Uffizi, en Florencia, Italia .Botticelli fue un pintor italiano nacido en Florencia el 17 de Mayo de 1410 en un barrio de trabajadores en el arrabal de Solferino .Era el menor de cuatro hijos del matrimonio .Cuando nació su hermano Giovani tenía veinticinco años y se dice que lo adoptó y lo educó. A lo largo de su vida pintó muchas obras pero entre sus grandes obras maestras encontramos obras como La Primavera y El nacimiento de Venus que le dieron a Botticelli prestigio como pintor, sin embargo fueron Las Madonas con quien obtuvo grandes riquezas. El nacimiento de Venus es una pintura al óleo de 278,5 cm y 172,5 cm con la técnica de temple sobre lienzo de estilo renacentista italiano, concretamente del Quattrocento en la que podemos ver a la figura de Venus desnuda en el centro sobre una concha a la que una mujer de pelo castaño, va a taparla con una manta y podemos ver dos ángeles que se aproximan soplando que hacen referencia a los vientos Céfiro y Aura. La técnica, predomina el dibujo el uso de líneas suaves que contornean las figuras, el ropaje y los fondos. Los colores utilizados son fríos como verdes, azules, rosas, naranjas, turquesas y tonos dorados que provienes de las alas de los ángeles. La luz provienes de nuestra derecha, que ilumina las figuras, creando así grandes contrastes de luces y sombras. La obra como su nombre indica está representando el nacimiento de Venus que, según la mitología nació de la espuma del mar cerca de Páfos tras ser arrojados por Cronos los testículos de Urano. El pintor nos sitúa a los vientos de cuyo soplo brotan soplos al a vez que la impulsan hacia la orilla, donde la espera una mujer para cubrirla con su manto. 6

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Gracias a esta obra podemos observar el interés que surge en la Italia renacentista sobre la mitología griega y de cómo el desnudo de la mujer va obteniendo importancia. Autores como Tiziano o Velázquez superarán al estilo de Botticelli en el siglo posterior. BIBLIOGRAFÍA 1º Basta, Ch. y otros, «Botticelli», Los grandes genios del arte, n.º 29, Eileen Romano (dir.), Unidad Editorial, S.A., 2005, ISBN 84-89780-97-8 2º Maneyre-Dagen, N., Leer la pintura, Spes Editorial, S.L., 2005. ISBN 84-8332-598-5. 3º Pijoán, J., «Botticelli» (1950), Summa Artis, Antología, vol. V: La época del Renacimiento en Europa, Espasa, 2004. ISBN (obra completa) 84-670-1351-6. 4º Walther, I.F. (dir.), Los maestros de la pintura occidental, Taschen, 2005. ISBN 3-8228-4744-5 5º Guía visual de Italia, Aguilar, 1997. ISBN 84-03-59439-9. 7

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EVA Es una pareja de pinturas realizada por el artista alemán Alberto Durero. Están pintadas al óleo sobre tabla. Datan del año 1507. Ambas miden 209 cm de alto, y en cuanto a la anchura, una mide 81 cm. y la otra 80. Se exhiben actualmente en el Museo del Prado en Madrid, capital de España. Durero nació el 21 de mayo de 1471 en Núremberg, ciudad a la que estuvo íntimamente unido. Su padre, Alberto Durero el Viejo (1434-1522), era un orfebre húngaro que emigró a tierras germanas y el primer maestro de su hijo. De su primera formación, el joven Durero heredó el legado del arte alemán del siglo XV, en el que estaba muy presente la pintura flamenca del gótico tardío. Los artistas alemanes no tenían dificultad en adaptar su propia tradición gótica a la de artistas flamencos, como Robert Campin, Jan van Eyck y, sobre todo, Rogier van der Weyden Viajó por muchos países de Europa, en busca de nuevas formas y estilos que aprender, viajo a Italia en dos ocasiones, donde aprendió técnicas modernas para la pintura y fue donde creo muchas de las más famosas obras. En 1520 Durero se enteró de que Carlos I, sucesor de Maximiliano I, iba a viajar desde España a Aquisgrán para ser coronado emperador del Sacro Imperio Romano Germánico. Durero había recibido una pensión anual por parte de Maximiliano y tenía la 8

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intención de que Carlos I mantuviera esa asignación. Emprendió el viaje a Aquisgrán, que financió vendiendo grabados y otras obras durante el trayecto, y de allí pasó a los Países Bajos entre 1520 y 1521. Su diario nos proporciona un fascinante relato de estos viajes, de las audiencias de los monarcas y de los recibimientos que le brindaron sus compañeros artistas, como Lucas van Leyden, especialmente en Amberes. Resultó muy satisfactoria su audiencia con Carlos I. Regresó a Núremberg, donde habría de permanecer hasta su muerte, el 6 de abril de 1528. Sus últimas obras son dos grandes tablas en las que están representados Cuatro apóstoles (hacia 1526, Alte Pinakothek Múnich), que ofreció como regalo a la ciudad de Núremberg. Durero pintó estas dos tablas después de su segundo viaje a Venecia, durante el cual el pintor profundizó en el dominio del color y, además, buscó, incluso matemáticamente, el ideal formal clásico se supone que Durero las pintó con destino al Ayuntamiento de Núremberg, donde permanecían a finales del siglo XVI. Luego pasaron al castillo de Praga, regaladas por la ciudad de Núremberg al monarca Rodolfo II, que era muy aficionado a los cuadros de desnudos. Durante la guerra de los Treinta Años, ejércitos suecos y sajones saquearon dicho castillo y estas obras en concreto acabaron siendo propiedad del rey sueco. Su hija la reina Cristina, las regaló al rey español Felipe IV en 1654 En el siglo XVIII, el rey Carlos III ordenó que estos cuadros, junto a otros desnudos, fuesen quemados por su contenido supuestamente obsceno. Por consejo de miembros de su corte, decidió finalmente que se trasladasen a la Academia de San Fernando para que sirviesen de ejemplos de enseñanza para los jóvenes artistas. Esta medida se aprobó a condición de que dichos cuadros de desnudo se mantuviesen reunidos en una sala de acceso restringido. En 1827 las dos obras de Durero pasaron al Museo del Prado, junto con otras más o menos eróticas. Sin embargo, dado que se trataba de desnudos, se confinaron en una sala cerrada que sólo se visitaba con permisos especiales, y no fueron exhibidas públicamente hasta el año 1833.Durero representó, en dos tablas independientes, a Adán y Eva. En la de Adán se presenta la figura de éste sobre un fondo oscuro, de manera que toda la atención se centre en la figura masculina que está de pie, pintado de cuerpo entero, sobre un terreno irregular lleno de piedras. El cuerpo de Adán presenta un leve ladea miento. Sujeta una rama del manzano en el que se encuentra enrollada la serpiente, de tal modo que sus genitales quedan cubiertos con esta rama con hojas y una manzana. Su rostro es joven, de facciones proporcionadas, mostrando una expresión de sorpresa. Sus rizos rubios ondean al viento. Copia de ambos cuadros, realizada por Hans Baldung Grien hacia 1520 (Galería de los Uffizi de Florencia).Eva permanece al lado del árbol, viéndose la serpiente enrollada en torno a una de las ramas. También está representada de cuerpo entero, pero su postura es distinta. No ladeada, se presenta de frente, adelantando la pierna derecha. Su sexo, como el de Adán, está tapado; en el caso de Eva, con las hojas de una rama que se encuentra en la zona izquierda de la composición. Como es tradicional en el arte, el color de la piel de Eva es más claro que el de Adán. El rostro de Eva es claro, y aún desprende inocencia. Su larga melena rubia también ondea al viento. Los cuerpos siguen un canon muy alargado: nueve cabezas de altura, en lugar del canon tradicional de ocho cabezas. Algunos críticos lo atribuyen a una influencia gótica o incluso ven un preludio del manierismo. Son los primeros desnudos a tamaño natural en la pintura nórdica. El artista realiza un estudio en profundidad de la anatomía humana y demuestra su gran habilidad como dibujante. Representa la culminación de las búsquedas de Durero del color absoluto y la belleza ideal; se pueden considerar, en su armonía abstracta, la síntesis del ideal de belleza del pintor. En 2009, ambas obras permanecían fuera de exhibición, debido a largos trabajos de restauración. Estos trabajos incluyeron rectificar el alabeado o combado del soporte de madera, causado antiguamente por cambios de humedad, para lo cual se contó con la colaboración de la Fundación Getty de California. También se retiraron las capas de barnices oxidados. Esta limpieza desveló los colores originales de Durero, con matices hasta entonces imperceptibles. Las pinturas ya restauradas se presentaron el 24 de noviembre de 2010 en el museo. 9

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BIBLIOGRAFÍA 1º Cirlot, L. (dir.), Museo del Prado I, Col. «Museos del Mundo», Tomo 6, Espasa, 2007. ISBN 978-84-674-3809-3, pp. 170-173 2º Zumthor, B., «Durero», en el Diccionario Larousse de la Pintura, Planeta-Agostini, 1987. ISBN 84-395-0649-X 10

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DANAE Es una obra pictórica de óleo sobre tela, pintada por el artista Antonio Allegri Correggio en el año 1531 durante el Manierismo italiano. La pintura tiene unas medidas de 161 cm de alto x 193 cm de ancho y que se encuentra expuesto en la galería Borghese de Roma en Italia. El tema principal es el de Dánae asistida por Eros. Antonio Allegri da Correggio nació, cerca de Reggio Emilia en agosto de 1489 y falleció en marzo de 1534, fue un pintor italiano del Renacimiento, dentro de la escuela de Parma que se desarrolló en la corte de los Farnesio durante el apogeo del Manierismo en Italia. Los datos conocidos de su vida son escasos. Nació en Correggio. Empezó a pintar allí y en Mantua, donde trabajaba Andrea Mantegna, que fue su principal influencia de juventud. Fue influido también por Lorenzo Costa el Viejo y Leonardo da Vinci. Estuvo en Roma entre 1517 y 1520, época en la que adquirió un clasicismo naturalista al contacto con Rafael y Miguel Ángel. Su gran admiración por el primero ha hecho que se le atribuya la frase de Anch'io sono pittore! (También yo soy pintor). Hacia 1530 estuvo al servicio de Federico II Gonzaga, duque de Mantua. Pintó una célebre serie de cuatro lienzos de mitologías para el Palazzo Té .Recibe la influencia de Melozzo da Forlì. Es comúnmente considerado como pionero del uso de la luz. Consigue sensación de ingravidez. De gran sensibilidad y delicadeza, pinta a niños, adolescentes y 11

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figuras femeninas suaves y de blanda sensualidad. Comienza como un renacentista clásico, posteriormente recibe la influencia manierista y acaba, por su dinamismo y profundidad espacial, anticipando el barroco. En su madurez, su estilo es noble y equilibrado, con sombras transparentes y diseño fluido. En relación a su muerte, cuenta Giorgio Vasar que Antonio da Correggio se había vuelto muy pobre y deseaba satisfacer las necesidades más básicas de su familia, así se dice que una vez en Parma le hicieron un pago de sesenta escudos de a cuatro, y él queriéndolos llevar a su familia en Correggio fue cargando con ellos e hizo el camino a pie, soportando mucho calor, llegándose a abrasar y bebiendo el agua que podía para recuperarse. Por ese penoso viaje cayó en cama con una gran fiebre, y no volviéndose a poder levantar murió con una edad próxima a los 40 años. Federico II Gonzaga encargó a Correggio una serie de ocho paneles dedicados a los amores de Júpiter para una sala del Palacio del Té denominada "Sala de Ovidio". El programa había sido proyectado por Giulio Romano, confiándose en Allegri para su ejecución. El Rapto de Ganímedes, lo y Júpiter, Leda y Danae son algunas de estas escenas mitológicas presididas por la metamorfosis del dios. Dánae era hija de Acriso, el rey de Argos, al que el oráculo de Delfos había pronosticado que su nieto le mataría. Para evitarlo encerró a su hija en una torre de bronce pero Júpiter conoció la belleza que había allí encerrada, convirtiéndose en lluvia de oro para engendrar a Perseo, quien acabó con la vida de su abuelo como había dicho el oráculo. Correggio nos presenta la escena en un interior, situando en la zona izquierda una ventana abierta a un paisaje, recostando a la joven en un lecho cubierto por elegantes y ricas sábanas blancas. Eros sirve como intercesor entre Júpiter y Danae mientras que unos amorcillos están grabando una tablilla en primer plano. La escena está realizada con el característico estilo del maestro, manifestando la dulzura y ternura que le definen, interesándose por los escorzos que preludian el Barroco. Algunas referencias a Tiziano y Marco Antonio Raimondi están presentes en el lienzo, resultando una de las más atractivas escenas mitológicas pintadas en el Cinquecento que tendrá influencia en el Renacimiento Francés. En la obra se puede observar a Danae tumbada sobre una cama, sensualmente y perfectamente colocada, en la que un ángel parece estar tapándola con una sabana, en la parte inferior de la obra se ve representado dos angelitos que están distraídos con alguna especie de objeto de poca importancia. La habitación en la que se encuentra la escena tiene una venta que permite entrar la luz y nos permite ver el paisaje que hay detrás de todo esto. Se observa una catedral y a lo lejos unas hermosas y azuladas montañas, cubiertas por un manto nuboso. El artista ha utilizado colores fríos para lo que es el exterior como los azules, los morados claros, los blancos, mientras que para la zona interior usa colores más llamativos y cálidos como lo son el amarillo para la edredón y para las cortinas, un color marrón oscuro para la madera que sostiene el somier, para los marcos de la ventana, e incluso utiliza un color marrón más claro para los cabellos de todas las figuras presentes. La luz que ilumina la escena viene directamente desde la parte superior derecha y no de la ventana, que provoca una serie de sombras en los cuerpos carnosos de danés y de los ángeles. BIBLIOGRAFÍA 1º Giuseppe Adani, Correggio pittore universale, Silvana Editoriale, Correggio 2007. ISBN 9788836609772 12

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LAS TRES GRACIAS Es un cuadro del pintor Barroco Peter Paul Rubens expuesto en el Museo del Prado de Madrid en España, pintado al óleo sobre tabla en 1633 y mide 221 cm de alto x 181 de ancho. Peter Paul Rubens, también conocido como Pieter Paul, Pieter Pauwel, Petrus Paulus, y, en español, Pedro Pablo Rubens, fue un pintor barroco de la escuela flamenca. Su estilo exuberante enfatiza el dinamismo, el color y la sensualidad. Sus principales influencias procedieron del arte de la antigua Grecia de la antigua Roma y de la pintura renacentista en especial de Vici de Miguel ángel del que admiraba su representación de la anatomía, y sobre todo de Tiziano, al que siempre consideró su maestro y del que afirmó con él, la pintura ha encontrado su esencia. El tema de la obra como en muchas otras es de tema mitológico, pero Rubens lo va a plantear de un modo distinto a otros autores. Está representando a las hijas de Zeus y pueden citarse como tipo de belleza ideal pero no a la belleza más sensual. Aglaya, Talía y Eufrosine no fueron para Rubens más que una excusa para pintar tres academias femeninas, reproducción de las exuberantes formas de sus habituales modelos. 13

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La composición respeta el modelo clásico que representa a las Gracias completamente desnudas y reunidas, pero cambia la relación entre las tres figuras que están conectadas entre sí a través de los brazos, el velo transparente que las cubre, y sus miradas, es decir, psicológicamente, dando así nueva unidad al grupo. La disposición de las Gracias forma un triángulo, estando la de en medio de espaldas, con la cabeza vuelta y apoyada en sus compañeras. Las tres hermosas mujeres se caracterizan por el tamaño de sus contornos. Parecen más bien tres desenvueltas bacantes que las pudorosas Carites de la mitología griega. Aparte de estas tendencias realistas, la composición del gran artista de Flandes destaca por la elegancia con que están agrupadas las tres figuras y por el gran conocimiento que demuestra en el moldeado de las pieles que por su grandiosidad y frescura aparecen palpitantes. Estas carnaciones claras irradian luz al resto de la obra. El trío está enmarcado a la izquierda por un árbol y a la derecha por una cornucopia de la que brota agua, con una guirnalda de flores por encima. A esto se une la esplendidez de un colorido cálido, brillante y luminoso con un fondo constituido por un pintoresco paisaje de una gran delicadeza En él pueden distinguirse pequeños animales pastando. Se dice que al menos una de las figuras es reproducción de la segunda mujer de Rubens, Helena Fourment, o incluso variaciones sobre el mismo rostro de su esposa. Otros creen reconocer las facciones de las dos esposas del pintor. Isabela y la ya citada Helena Fourment. Este cuadro fue adquirido por el rey Felipe I V, rey de España entre los bienes del pintor, subastados tras su fallecimiento el 30 de mayo de 1640. Pasó la pintura a decorar una de las salas del Alcázar de Madrid, y en el siglo XIX se instaló en el museo del Prado. BIBLIOGRAFÍA 1º Cirlot, L. (dir.), Museo del Prado I, Col. «Museos del Mundo», Tomo 6, Espasa, 2007. ISBN 978-84-674-3809-3, pág. 185 14

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LA MAJA DESNUDA Es una de las obras más importantes de Goya. La obra fue una obra de encargo pintada antes de 1800, creada con una técnica de óleo sobre lienzo de estilo neoclasicista con un tamaño de 98 cm x 191 cm y que actualmente se encuentra expuesto en el Museo de Prado en Madrid capital de España Francisco de Goya y Lucientes nació en Burdeos Francia el 30 de Marzo de 1746 fue un pintor y grabador español Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. En todas estas facetas desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo .El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la pintura contemporánea y se considera precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX. Tras un lento aprendizaje en su tierra natal, en el ámbito estilístico del Barroco tardío y las estampas devotas, viaja a, donde traba contacto con el incipiente neoclasicismo, que adopta cuando marcha a Madrid a mediados de esa década, junto con un pintoresquismo costumbrista derivado de su nuevo trabajo como pintor de cartones para los tapices de la manufactura real de Santa Bárbara. El magisterio en esta actividad y en otras relacionadas con la pintura de corte lo imponía Mengs, mientras que el pintor español más reputado era Bayeu que fue cuñado de Goya. Una grave enfermedad que le aqueja en 1793 le lleva a acercarse a una pintura más creativa y original, que expresa temáticas menos amables que los modelos que había pintado para la decoración de los palacios reales. Una serie de cuadritos en hojalata, a los que él mismo denomina de capricho e invención, inician la fase madura de la obra del artista y la transición hacia la estética romántica. 15

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