Planeta Projazz 18

 

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Con la visita de Branford Marsalis a Projazz

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Para alumnos y ex alumnos de IP Projazz N° 18 OCTUBRE / NOVIEMBRE 2015 BRANFORD MARSALIS EN PROJAZZ TIM L Ú O M NÚ E D RO E Ñ LA O

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ANISASMARTÍNBERRÍOS VIRALCASASALVAJE ALUMNOS SE PONEN LAS PILAS CON PRODUCCIONES MUSICALES PROPIAS MARTÍN BERRÍOS DISCO: CASA SALVAJE @MartinBerrios /MartinBerriosOficial DOSSIER DE LA BANDA Martín Berríos: Guitarra y voz Cristóbal Rojas: Bajo Tomás Castro: Batería Juan Ignacio Ramos: Guitarra y coros Maximiliano Munizaga: Teclados, sintetizadores y guitarras PORTADA DISCO CASA SALVAJE DE MARTÍN BERRÍOS

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ALUMNOS SE PONEN LAS PILAS CON PRODUCCIONES MUSICALES PROPIAS NO PODÍA SEGUIR ESTIRANDO EL CHICLE CON CASA SALVAJE, EMPECÉ A PRODUCIR ESTE DISCO EN 2012. ¿CÓMO COMENZÓ TODO? Teloneando a Matías Cena, sala SCD Bellavista. 2013 2014 Hasta el 2014 cada tocata que hacía tenía una formación distinta. Pero este año, con trabajo más serio y lo que significa pulir el sonido de una banda estable, me di cuenta de que esta formación da para harto rato. 2015 Nuestra banda empieza informalmente el año 2013, tocamos por primera vez junto a Cristóbal Rojas en bajo y Maximiliano Munizaga en guitarra eléctrica. Durante ese año y el 2014 nos juntábamos a ensayar solo cuando salía alguna tocata, luego se sumó Juan Ignacio Ramos en guitarra eléctrica y Max pasó a teclados. El 2015 decidí que no podía seguir estirando el chicle con Casa Salvaje (disco que empecé a producir el 2012) y armé la banda que somos hoy. Invitamos a Tomás Castro a participar en batería y así nos consolidamos. DISCO CASA SALVAJE: Queremos aprovechar este disco nuevo y sacarle el jugo en vivo. Han pasado varios años desde que los temas se gestaron e incluso se terminaron de producir. Radiohead y letras de los problemas existenciales que tenía en la pubertad. Ahora me da risa, pero también reconozco un trabajo bien hecho en cuanto a producción, si no, no lo mencionaría, jaja. Este fue mi primer trabajo con Martraz Records, producido por Álvaro Jiménez al igual que Casa Salvaje. El 2012 auto produje el “Viajero Universal” bajo un sello ficticio que inventé: “Sello Jirafante”. Pese al sonido Lo-Fi y bajo perfil que tuvo, este es el disco al que le tengo más cariño. La idea fue un trabajo en conjunto con mi gran amigo y colega Mairon Saavedra, yo puse la música y él hizo todo el arte visual del disco, con una caja hecha a mano y fotos análogas notables. Este trabajo se hizo en el momento preciso de nuestras vidas y nunca dejamos de recordar al “Viajero” con el cariño que este nos generó a ambos y a los cercanos que de una manera u otra también formaron parte de sus canciones. 1 Portada disco Casa Salvaje de Martín Berríos Casa Salvaje para mí es la infancia musical, un disco que trata de dejar atrás los lugares e ideas a las que nos aferramos desde niños, y con el disco en sí tengo la misma relación: en vivo las canciones tienen arreglos distintos y están en sintonía no solo con el “yo de ahora” sino también con la banda, por esta misma razón no estoy muy conforme con que la banda se llame MARTÍN BERRÍOS, pero estamos trabajando en eso. ¿CUÁNTOS DISCOS TIENE MARTÍN BERRÍOS? Hasta ahora tengo 2 EP’s publicados, uno es “Pneuma” (2011) que es mi primer ejercicio como solista: es bien raro... canciones en inglés de cuando recién rayaba con TAMBIÉN LOS INVITO A SEGUIRME EN TODAS LAS REDES SOCIALES IMAGINABLES, EN TODAS SOY MARTÍN BERRÍOS ASÍ QUE NO LES COSTARÁ ENCONTRARME EN INTERNET, CAMBIANDO UNA AMPOLLETA O PROBÁNDOME UN BIKINI MUY ESTRECHO. Ver videoclip de “Decisiones” en Youtube, con la participación de Javier Barría. 1 Lo-Fi: Del inglés low fidelity. Es un enfoque estético de la música en donde predomina el uso de medios de grabación de baja fidelidad. El objetivo es obtener un sonido auténtico, algo menos producido. Muchos artistas lo-fi usan medios económicos de grabación como las cintas de casetes.

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ALUMNOS SE PONEN LAS PILAS CON PRODUCCIONES MUSICALES PROPIAS ANISAS /anisasmusica DISCO: VIRAL /AnisasMusica DOSSIER DE LA BANDA Valery Fuentes: Letras, composición, guitarras, voz, piano, secuencias, batería Maritxu Lhorente: Letras, arreglos, voz, violonchelo, guitarras Maximiliano Munizaga: Arreglos, guitarra eléctrica, sintetizadores, secuencias, piano PORTADA DISCO VIRAL DE ANISAS

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ALUMNOS SE PONEN LAS PILAS CON PRODUCCIONES MUSICALES PROPIAS PARA ENERO DE 2016 ESTAMOS PROGRAMANDO UNA GIRA A ARGENTINA Y URUGUAY. ¿CÓMO COMENZÓ TODO? Al subir una maqueta en Facebook de uno de los “juegos musicales” entre Maritxu y Valery. 2014 2015 Este año por necesidades de montaje de las canciones se incorporó Max (Munizaga) al proyecto. Gracias a esto pudimos experimentar mayores avances, tanto en sonoridad grupal como individual para así llegar a lo que somos ahora. Valery: Ese año Maritxu y yo decidimos crear este proyecto, a raíz de varios meses de juego musical, haciendo canciones solo por el interés de compartir la identidad musical que cada una de nosotras tenía. Compartimos, en Facebook, uno de los temas en los cuales habíamos trabajado, teniendo así una muy buena recepción. A raíz de eso, nos planteamos la posibilidad de crear un proyecto más serio y nació ANISAS.

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ALUMNOS SE PONEN LAS PILAS CON PRODUCCIONES MUSICALES PROPIAS ¿DE DÓNDE VIENE EL NOMBRE “ANISAS”? Valery: viene de la palabra “aniso”, que significa desigual o diferente. En realidad es tomarnos con humor esto de ser tan opuestas, tanto en carácter como en el timbre de nuestras voces, sumándole a esto la visión extrema de las sonoridades que cada una de nosotras tenemos. Yo me inclino más a lo electrónico y procesamiento digital y Maritxu tiene mucha más cercanía a timbres y texturas acústicas. DISCO VIRAL: Maritxu: este año ha sido muy intenso ya que de un momento a otro empezamos a tocar muy seguido, pero nos sentimos realmente afortunadas por eso y por el apoyo que hemos tenido tanto de nuestra familia y amigos, como de nuestros profesores. En este momento estamos grabando Viral, nuestro primer disco, gracias a la ayuda del profesor Marcelo Vergara quien es nuestro productor musical. De manera paralela hemos estado tocando en diferentes lugares (Escuela Moderna de Música de Viña del Mar, IP Projazz, Consagración de la Primavera, entre otros) para llegar a más gente y así ampliar el público. PRÓXIMA GIRA: Valery: para enero de 2016 estamos programando una gira a Argentina y Uruguay, específicamente en Mendoza, Córdoba, Rosario y Montevideo. Esto es para generar nexos con otros artistas latinoamericanos y ampliar nuestro público a otros países. CÓMO VA LA GRABACIÓN DE VIRAL: Valery: tenemos grabado un EP de 4 canciones. En sí ese EP muestra la experimentación en la que estábamos en un comienzo con Maritxu, viendo cómo empastábamos nuestras voces y nuestras necesidades como artistas. Las canciones hablan sobre sacar del alma todo lo que no te deja avanzar (“Respirar”), de desamor, de cómo se puede desvirtuar un sentir hasta llegar a algo incluso psicótico (“Estúpido amor”), de no poderte ver a ti misma, de desconexión contigo y con el mundo (“Deseos”) y de cambiar de piel y ver que eso que se busca o se necesita nace desde tu interior, desde tu pecho (“Eternidad”). Max: estamos en constante movimiento y cambio. Con Valery queremos incorporar nuestro conocimiento en el tema de ruido y máquinas (sintetizadores, pedales, etc.) por la simple necesidad de hacer la música más nuestra, propia, que se pueda reflejar mejor la búsqueda que tenemos en solitario cada uno de nosotros. Maritxu: también está la idea de incorporar a Franco Molina, nuestro ilustrador de la portada del disco que estamos grabando, para hacer presentaciones con imágenes y animaciones en vivo. Creemos en la potencia que tiene un mensaje al ser entregado de diferentes maneras para poder lograr una interacción lo más profunda y sincera posible. A GROSSO MODO VALERY ES QUIEN ESCRIBE GRAN PARTE DE LAS LETRAS Y COMPONE LA ESTRUCTURA DE CADA CANCIÓN. JUNTO A MARITXU VEN LOS ARREGLOS VOCALES, QUE PUEDEN SER LOOPS, VOZ PROCESADA, ARREGLOS CORALES, ETC., Y AL FINAL, TODOS JUNTOS, VAMOS DE A POCO EXPLORANDO DIFERENTES SONORIDADES HASTA DAR CON LA QUE PROYECTE MEJOR LA ESENCIA DE CADA TEMA. MAXIMILIANO MUNIZAGA

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BRANFORD DISPARAEN PROJAZZ OTRO MARSALIS NOS VISITA EN CHILE (YA ESTUVIMOS CON WYNTON EN MARZO 2015) Agradecimientos a Alicia Pedroso por la nota completa sobre esta master class, que sirvió de inspiración a este artículo, y las acertadas correcciones bibliográficas de Enrique Hosiasson MASTER CLASS BRANFORD MARSALIS Auditorio Ramón Carnicer Jueves 12 de noviembre 15:00 hrs. B ranford Marsalis (1960) es el hijo mayor de una familia que ha sabido imponer a fuego su nombre en las artes a nivel mundial: tres hermanos son músicos de jazz (Wynton, ¿requiere más presentación?), su hermana Ellis es poetisa y fotógrafa y el patriarca, Ellis Marsalis Jr., un reconocido pianista. Branford llegó a Chile para presentarse en el Festival de Jazz de San Bernardo, y solo horas después de aterrizar su manager confirmó que la estrella nos visitaría en Projazz, para dar una master class exclusiva a toda nuestra comunidad de estudiantes y profesores. En palabras de un entusiasta testigo de la charla, Enrique Hosiasson: “Branford tuvo la delicadeza de responder cada una de las preguntas, por simples que parecieran, con una sorprendente lucidez y humildad. Tocó su saxo soprano con la misma intensidad con que la que lo habría hecho en un teatro o frente a miles de personas. Se extendió mucho más allá de lo esperado y aceptó feliz sacarse fotos con todos”.

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BRANFORD DISPARA EN PROJAZZ OTRO MARSALIS NOS VISITA EN CHILE LECCIONES DE APRENDIZAJE 1: CUIDADO CON ART BLAKEY: “¡¡¡GROW SOME BALLS!!!” En 1980, cuando Branford tenía 20 años y todavía estudiaba en la Berklee College of Music, se unió a la banda del legendario baterista Art Blakey, de 61 años en ese momento, para su tour por Europa. Algunas lecciones que Marsalis aprendió del período con Art Blakey: Cuando Branford acercó el micrófono a la boca del saxofón Blakey de inmediato le llamó la atención, diciéndole que para conseguir el sonido más potente debía aprender a tocar lo más lejos posible del micrófono. Durante una presentación en vivo, Blakey tocaba cada vez más fuerte la batería. A su vez, Marsalis iba tocando más fuerte y así iban subiendo sus volúmenes. En la refriega Blakey le gritaba desde atrás: “¡¡¡No te escucho!!!, ¡¡¡Hazte hombre!!!” (¡¡¡grow some balls!!!). Ese día Branford se bajó del escenario humillado, pero esa lección, de quien aún reconoce como su gran maestro, lo impulsó a conseguir el sonido que muestra hoy. Cuando Blakey se dio cuenta que Marsalis no tenía muchas referencias de los grandes músicos de jazz, en su muy particular estilo le sentenció: “Si no escuchas a los grandes maestros solo tocarás “like a shit”. (Una invitación bastante directa). LECCIONES DE APRENDIZAJE 2: LA HISTORIA PARECE CUENTO CHINO, PERO ES CIERTA Siguiendo la sugerencia del maestro Blakey, Marsalis se lanzó a la búsqueda de un sonido propio a través de la investigación. El camino de Marsalis fue más o menos así (en una época sin internet, ni mp3, ni menos registros en CD): 1. Comenzó a imitar el estilo de John Coltrane (19261967). Cuando Art lo escuchó le dijo algo como “¿Qué estás haciendo? ¿Crees que Coltrane en sus comienzos escuchaba una versión futura de sí mismo? ¡Lo que tienes que hacer es escuchar a los maestros que escuchaba Coltrane!”. Corto. Luego de investigar sobre los referentes de Coltrane, descubrió que debía centrarse en grabaciones donde tocara Benny Golson (1929). Nuevamente le advierte Blakey: “¿Y sabes cómo construyó Golson su sonido?”. Otro desafío. Marsalis se empeñó en buscar algún registro de Johnny Hodges (1907-1970), a su vez mentor de Golson. Hodges fue saxofonista de la banda de Duke Ellington desde fines de los años 20. No había registro en tiendas de discos. Finalmente encontró una grabación pirata del año 1942 (Duke Ellington + banda tocando en una estación de radio de North Dakota). Se impresionó tanto con lo que escuchó en Johnny Hodges que no pudo dejar de oír ese disco por los próximos cuatro meses. Marsalis sacó todos los solos. Como aún le quedada mucha energía y paciencia, Branford consultó con su padre, Ellis Marsalis (1934), pianista y profesor de música en New Orleans, cómo podría avanzar más en sus investigaciones musicales: este le aclaró que tanto Golson como Hodges (los músicos que Branford venía estudiando) lo más probable es que hubieran escuchado al clarinetista y saxofonista Sidney Bechet (1897-1957). Y entonces su padre le reveló algo más: que si quería de verdad tocar Bebop, tendría que primero escuchar y dominar el Swing. Y así el Bebop se le reveló a Branford como nunca antes. - 2. 3. - 4.

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BRANFORD DISPARA EN PROJAZZ OTRO MARSALIS NOS VISITA EN CHILE UN DIFÍCIL COMIENZO EN UN MEDIO COMPETITIVO Branford contó que cuando llegó a Nueva York en los años 80, había pocos lugares para tocar y, en contraste, una enorme cantidad de músicos ansiosos: tanto así que había que hacer cola para llegar al escenario de un club de jazz y, una vez ahí, cada músico solo lograba tocar un par de temas. Ante esa realidad, Marsalis decidió instalarse en la 6ta Avenida con un grupo de amigos a tocar en la calle a cambio de las monedas que les dejaban en un sombrero. Lograron convocar una audiencia fiel que llegaba a escucharlos y les retribuía, hasta que la dueña de uno de los locales que quedaba cerca los invitó a tocar formalmente dentro de su club. Cuando preguntaron el monto del pago, la señora les dijo que en un comienzo –y para probar– tendrían que tocar gratis, ante lo cual accedieron. A las pocas semanas, y ante el evidente aumento de la concurrencia para escucharlos en el club, la dueña les propuso un pago de 25 dólares por show. ¿Por músico? Le preguntaron entusiasmados (era buena plata); “No, por la banda”. La banda no se desanimó: se alegraron pensando que habían creado algo desde la nada y ahora solo les quedaba un objetivo por delante: ser mejores. Desde ese momento Branford Marsalis, en sus propias palabras afirma: “¡no deja de sorprendeme y de agradecer el hecho de que me sigan llamando para tocar!”. ford Bran lis a Mars

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UNADELASNOTICIAS (INTERNAS)MÁS ESPERADASDELAÑO PROJAZZ OBTIENE LA AUTONOMÍA INSTITUCIONAL NOTICIA APARECIDA EN LA WEB DEL CONSEJO NACIONAL DE EDUCACIÓN, CNED.CL

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PROJAZZ OBTIENE LA AUTONOMÍA INSTITUCIONAL SE TRATA DE UN GRAN HITO EN LA HISTORIA DE PROJAZZ Y UN IMPULSO PARA SEGUIR DESARROLLANDO NUESTRA EXCELENCIA ACADÉMICA, ARTÍSTICA E INSTITUCIONAL. CIERTAMENTE NOS LLENA DE ORGULLO Y SATISFACCIÓN PORQUE ES EL RESULTADO DEL ESFUERZO DE CONFORMAR UN PROYECTO QUE HOY CUMPLE CON UN LOGRO SIGNIFICATIVO, MERITORIO Y RELEVANTE, DEL CUAL TODA NUESTRA COMUNIDAD ES PARTÍCIPE. ¿QUÉ SIGNIFICA LA AUT ONOMÍA? Principalmente significa que Projazz es capaz de autorregularse, y que si bien hay ciertos procesos que hay que afianzar y mejorar continuamente, somos una institución consolidada, con procedimientos claros y regulaciones que permiten una organización y entrega de un servicio de calidad dentro de la educación superior. ¿ES LO MISMO QUE EST AR ACREDIT ADOS? No. Con la reciente obtención del la Autonomía, Projazz seguirá fortaleciendo su proyecto educativo y preparándose para cumplir con las exigencias y condiciones que se relacionan con el proceso que viene, la Acreditación Institucional, un objetivo que procuraremos cumplir dentro de los próximos años. ¿DÓNDE PUEDO OBTENER MÁS INFORMACIÓN? Seguramente has recibido en tu correo un comunicado formal sobre la obtención de la Autonomía. Si quieres más información sobre qué significa este logro y cómo podría influir en la mejora de tu proceso educacional puedes dirigirte a DAE (Departamento de Asuntos Estudiantiles) al mail: asuntosestudiantiles@projazz.cl

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DISCI PLINE ENFOQUE INTEGRAL “LO ÚNICO QUE TIENEN QUE HACER LOS MÚSICOS ES DEJARSE LLEVAR, APRENDER A SER UN INSTRUMENTO SENSIBLE PARA QUE LA MÚSICA SE MANIFIESTE A TRAVÉS SUYO” THE LEAGUE OF CRAFTY GUITARISTS EN PROJAZZ E sta es, al menos, la tercera visita en Projazz de The League of Crafty Guitarist (Liga de guitarristas-artesanos), también conocidos como LCG o “Guitar Craft”, que es en realidad el nombre del método que enseñan. Detrás de esta marca se devela una sorprendente y elegante manera de enfrentar la música desde un enfoque bastante integral, poco usual en el medio artístico actual. Esta genial idea viene del guitarrista y compositor inglés Robert Fripp (1946), fundador de la banda King Crimson. Gracias a la tercera disolución en la historia de esta banda, en 1985, Fripp se dedicó a “permitir que el futuro se presentara por si mismo”. Y el futuro se presentó en la manera de los 1 seminarios de Guitar Craft . 1 https://porrassalva.wordpress.com/2011/03/02/robert-fripp-la-disciplina-hecha-musica/

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ENFOQUE INTEGRAL THE LEAGUE OF CRAFTY GUITARISTS EN PROJAZZ GUITAR CRAFT VISTO A TRAVÉS DE LOS 4 CUADRANTES: INTERIOR EXTERIOR SUPERIOR IZQUIERDO (SI) SUPERIOR DERECHO (SD) La Liga está formada por guitarristas de diferentes partes del mundo. No hay que ser guitarrista profesional para integrar LCG. Guitar Craft introduce una afinación distinta a la convencional: CGDAEG. Existe una comunicación en tiempo presente entre todos los guitarristas, a través de una serie de ejercicios que incluyen las llamadas “circulaciones”, en las que cada guitarrista “entrega” una nota al siguiente y entre todos van formando una creación colectiva. Este nuevo enfoque está conformado por tres elementos fundamentales: El primero es un cuerpo de técnicas, ejercicios y repertorio que tienen como objetivo el uso efectivo de ambas manos sobre el instrumento. El segundo es el trabajo la relación del cuerpo a través de la Técnica Alexander y el Tai Chi Chuan. El tercero es la práctica y entrenamiento en la Mecánica de la Performance2. INDIVIDUAL El alma del método Guitar Craft, en palabras de Robert Fripp, es una manera de desarrollar una relación entre uno mismo y la música. ARTE YO ESO OBRA ¿Qué es la “Técnica Alexande r”? Revisa la página siguiente NOSOTROS PERSONAS ESOS EL SISTEMA LCG se conforma como un ensamble mutante, que puede sumar o restar miembros. Se adaptan a cada escenario y cada contexto artístico al que son invitados en distintas partes del mundo. COLECTIVO ¿Quieres leer sobre el impacto que causó La Liga en el público? Ve los dos testimonios siguientes. Cómo partió todo: siendo presidente del Instituto de Educación Continua (una sociedad con sedes en Inglaterra y Estados Unidos y cuyo fundador es J.G. Bennett), Robert Fripp trabajó en la organización de unos seminarios de guitarra: Guitar Craft, que empezaron en 1985. Ya van catorce años de seminarios Guitar Craft por todo el mundo y hay excelentes guitarristas que han salido o se han dado a conocer gracias a estos seminarios. Dan fe de los resultados obtenidos los discos de Robert Fripp & The League Of Crafty Guitarists y los grupos surgidos de Guitar Craft y que aparecen en el catálogo de Discipline Global Mobile [DGM]. INFERIOR IZQUIERDO (II) INFERIOR DERECHO (ID) 2 Entrevista a Luciano Pietrafesa en www.projazz.cl por María Olga Reyes, encargada de comunicaciones.

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THE LEAGUE OF CRAFTY GUITARISTS EN PROJAZZ ENFOQUE INTEGRAL ¿QUÉ ES LA TÉCNICA ALEXANDER? (APLICADA POR LOS MÚSICOS DE THE LEAGUE OF CRAFTY GUIT ARISTS 6 PARA T OCAR) No es un programa de ejercicios, como los que puedes aprender en una clase de yoga, pilates, o en el gimnasio. La técnica Alexander te enseña a tomar conciencia de cómo te mueves y a elegir en cada momento cómo quieres moverte, de manera que no se conviertan en movimientos automáticos. Una frase clave es: “Acepta tus hábitos”. Para cambiar cualquier hábito (no sólo hábitos como los de apretar el cuello o encoger la espalda al tocar guitarra, sino todo tipo de hábitos), es importante que seas amable y paciente contigo mismo, que reconozcas el valor de hacerte consciente de ellos. Confía en que si sigues observándolos llegará el día en que te descubras justo en el momento en que puedas corregirlos. ALGUNOS TESTIMONIOS DE LA PRESENTACIÓN GUITAR CRAFT JUEVES 12 DE NOVIEMBRE, AUDITORIO BELLAVISTA PROJAZZ ALICIA PEDROSO MUSICÓLOGA, COMUNICADORA Y DIRECTORA DE EXTENSIÓN Y COMUNICACIONES DE PROJAZZ Si te pidiera “Por favor, ¡explícame qué es Guitar Craft de una buena vez!”, ¿qué dirías? Es una experiencia artística colectiva concebida por el creador de King Crimson, Robert Fripp, luego de transformar la afinación tradicional de la guitarra en Occidente (EBGDAE) en CGDAEG y que logra dos efectos maravillosos: sobre las personas que participan –pueden tocar incluso quienes toman una guitarra por primera vez, no importa si tienen formación musical o tampoco de qué país sean–, y sobre la audiencia, que tiene la posibilidad de presenciar un evento único en cada función. Desde el punto de vista técnico, las piezas son interpretadas en guitarras electroacústicas Ovation o en una versión mejorada que encargan a un luthier en Argentina con uñetas fabricadas por un luthier japonés. ¿Qué fue lo que más te llamó la atención de La Liga? La capacidad de tocar una nota luego que tu compañero anterior ejecutara la suya en una especie de mantra colectivo, una lección de humildad y revelación de la importancia de cada pulsación en el logro del conjunto. También la belleza del resultado sonoro y la capacidad de incorporar gestos y ritmos musicales de toda nuestra tradición sonora, independiente de la región del mundo que procedan; así escuchamos secuencias pentáfonas orientales, joyas de lo mejor de King Crimson, tangos y piezas de Eric Satie, por solo dar unos ejemplos. 6 http://tecnicaalexander.es/la_tecnica.html La música que ellos hacían, ¿te llegaba de alguna forma? ¿Te tocaba interiormente? Personalmente me abrí a recibir lo que entregaban, me maravillé con la simplicidad de las circulaciones donde la nota de cada uno iba y volvía en un sinfín seguro y emocionante y la perfección de los unísonos en compases irregulares que hablaban de un ensayo intensivo y de la responsabilidad de cada músico con el colectivo. Sentí el respeto de cada uno por el resultado final. Finalmente cuando se acabó el concierto, ¿qué te pasó? ¡Me dieron ganas de comprarme una Ovation y unirme a la experiencia! Definitivamente el poder de la concentración y la liberación de sentir, luego de mucho tiempo, que en lo sencillo y elemental se esconde una belleza única. También sentí la metáfora social de lo importante que somos cada uno de nosotros cuando nos comprometemos en una experiencia colectiva.

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ENFOQUE INTEGRAL THE LEAGUE OF CRAFTY GUITARISTS EN PROJAZZ VALENTINA VALLEJOS ACTRIZ, INSTRUCTORA DE YOGA Y PROFESORA DE PROJAZZ Si te pidiera “Por favor, ¡explícame qué es Guitar Craft de una buena vez!”, ¿qué dirías? Después de leer lo de Alicia creo que me quedo corta, pero diría que son una agrupación de guitarristas que tienen sus guitarras afinadas de manera distinta y que realizan la interpretación de temas en colectivo teniendo como base el diálogo grupal y la conciencia de su atención en el momento. ¿Qué fue lo que más te llamó la atención de La Liga? La similitud del trabajo colectivo con las técnicas teatrales planteadas por Eugenio Barba y Jerzy Grotowski. Basarse en el diálogo, en el arte como un momento vivo donde una acción no se repite si no que es distinta cada vez, un lugar donde se establecen relaciones. La música que ellos hacían, ¿te llegaba de alguna forma? ¿Te tocaba interiormente? No entiendo bien aún si me llegaba la música o más bien el diálogo que se producía entre ellos. Cuando escuché el primer tema, me emocioné y se lo atribuí al diálogo. Finalmente cuando se acabó el concierto, ¿qué te pasó? La disciplina del arte tiene una forma trascendental. Es necesario estar en el aquí y ahora. Dialogar con quienes trabajas. www.thelcg.net

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